El guitarrista de Hamelin. “Joe Bonamassa, el niño que encandiló a B.B King”.

Joe Bonamassa, músico, guitarrista y cantante de blues y rock estadounidense (Foto goole images)

Joe Bonamassa, músico, guitarrista y cantante de blues y rock estadounidense (Foto Google images)

Joe Bonamassa, músico, guitarrista y cantante de blues y rock estadounidense nacido en Nueva York el 08 de mayo de 1977, en New Hartford. Considerado por muchos como uno de los mejores guitarras de la historia de la música pese a su juventud… A los doce años ya era telonero de B.B. King.

Joe Bonamassa comenzó tocando la guitarra muy pronto, a la edad de cuatro años y con siete ya tocaba blues como un veterano. Según Bonamassa: “mi padre fue, además de guitarrista, comerciante de guitarras, así que las guitarras estaban siempre alrededor de la casa como parte de mi vida. Estaban por ahí como sillas o mesas, así que cada día las sentía como algo cotidiano en mi vida.”

Joe Bonamasaa con 12 años ya encandiló a B.B. King. (Foto El Confidencial)

Joe Bonamasaa con 12 años ya encandiló a B.B. King. (Foto El Confidencial)

A los diez años, Joe comenzó a dar conciertos a nivel local y a los doce, se convirtió en el telonero de B.B. King. La leyenda del blues declaró después, de escuchar a Joe tocar; “El potencial de este chico es increíble”. Después de esto Joe comenzó a ser conocido en el mundo del blues, llegando a tocar con gente de la talla de Buddy Guy, Danny Gatton, Robert Cray o Stephen Stills.

Video de Bonamassa tocando en directo con Danny Gatton con solo 12 años. (www.joebonamassa.com)

Todavía en su etapa de adolescente, Joe conoció a Berry Oakley Jr. y juntos formaron una banda que se llamó Bloodline. Grabaron para EMI Records su homónimo álbum debut que contó con dos canciones propicias para las listas de éxitos “Stone Cold Hearted” y “Dixie Peach”, temas que mezclaban Blues, Boogie, Funk y el Southern Roadhouse Rock. Tras este inicial éxito, Bloodline desapareció. Joe sentía la necesidad de hacer algo más que tocar la guitarra, así que comenzó a mejorar sus dotes como cantante.

En el año 2000, Joe acabó de trabajar en su debut como artista en solitario, “A New Day Yesterday”, donde despliega todo su potencial vocal y cuyas aptitudes no pasan desapercibidas para artistas como Gregg Allman, Rick Derringer o Leslie West. El productor del álbum fue el legendario Tom Dowd, el cual, durante más de los 25 años de carrera que llevaba en ese momento dentro del mundo de la música, había formado parte de trabajos de artistas tan importantes como Aretha Franklin, Ray Charles, Eric Clapton, Rod Stewart, John Coltrane y Ornette Coleman entre otros. Dowd rápidamente se convirtió en fan y amigo de Joe.

Las memorables melodías y potente trabajo de guitarra de “A New Day Yesterday” trajo a la mente el blues clásico basado en bandas como Cream, Lynyrd Skynyrd, The Jeff Beck Group o The Allman Brothers Band. El CD incluye temas tan originales como “Miss You, Hate You”, “Cradle Rock” cover de Rory Gallagher y una poderosa versión del tema “A New Day Yesterday”, hecho famoso en 1969 por el mismísimo Jethro Tull. Una vez que regresó de la carretera en el 2002, Bonamassa unió fuerzas con Cliff Magness (Avril Lavigne) para grabar el musculoso y radical disco de estudio “It´s Like That” con un hit que copó en varias ocasiones el número 1 en los Billboard Blues Charts, gracias a la inspiración de blues y mezcla de pop, en cuanto a la producción del disco. Esto ayudó enormemente a Bonamassa a la hora de contar con una impresionante legión de fans.

Blues Deluxe es el tercer álbum de J. Bonamassa producido por Bob Held.

Blues Deluxe es el tercer álbum de J. Bonamassa producido por Bob Held.

Para celebrar el 2003 “Year of the Blues” Bonamassa publicó “Blues Deluxe” que contenía nueve versiones de blues clásico junto a tres originales. Esto se debió a que durante años, los fans le pidieron a Joe un álbum de blues clásico, así que cuando acabó la gira, este se metió en estudio junto a Gary Tole (David Bowie, Jimmy Vaughan, Bon Jovi) y grabó varias de sus canciones favoritas de todos los tiempos. El resultado fue que su discográfica decidió acabar el disco y lanzarlo como “Blues Deluxe”.

A estas alturas, Joe comenzó a involucrarse en un programa denominado “Blues in the Schools”, un proyecto orientado a perpetuar el magnífico legado de este estilo musical y poder hacérselo llegar a las nuevas generaciones de fans. Mediante la lectura, los jóvenes estudiantes se veían envueltos en un viaje que muestra la evolución de la música blues, desde el cumpleaños entre los trabajadores del Delta durante los últimos 1800, hasta el día actual. Las lecturas iban acompañadas de una actuación del propio Bonamassa.

El siguiente CD de Bonamassa “Had To Cry Today” continúa donde quedó “Blues Deluxe”. Mezclando blues original y clásico, el Cd incorporaba influencias de Chicago, Delta y blues británico, creando un estilo único.

Desde la música de los 40´o 50´de B.B. King, Muddy Waters y Buddy Guy, hasta la invasión británica de los Yardbirds, Clapton o Cream, “Had To Cry”, muestra todas las caras de la música de antes, con grandes influencias modernas.

En el verano del 2005, Bonamassa fue personalmente requerido por B.B. King para abrir el Tour de celebración de su 80 cumpleaños. Unos meses después (Enero 2006), Bonamassa en reconocimiento a sus esfuerzos por la promoción de la música blues en Norte América y Europa, así como sus esfuerzos por llevar el blues a las escuelas, fue nominado como el miembro mas joven de The Blues Foundation.

Uno de sus últimos Cds, “You and Me”, puesto a la venta el 27 de Marzo del 2006, muestra la colaboración de este artista con el productor Kevin Shirley (Led Zeppelin, The Black Crowes, Aerosmith, Joe Satriani). El productor sudafricano Shirley comentaba; “Cuando comencé a trabajar con Joe, enseguida me di cuenta de que tenía un increíble talento, pero también sabía que debía hacer algo diferente para que lo que estábamos creando no fuera un simple álbum de blues. Hay infinidad de grandísimos artistas de blues que en el fondo solo son copias de los clásicos de siempre. Yo quise dotar al blues de Joe, un poco de Rock y busqué en su interior para sacar toda su versatilidad a la guitarra y sus habilidades vocales”.

En el año 2010 forma la banda Black Country Communion, grupo musical anglo-estadounidense formado por el propio Joe Bonamassa, Jason Bonham (hijo de J. Bonham – Bonzo- Led Zeppelin), Glenn Hughes (cantante de Deep Purple) y Derek Sherinian. La idea para formar Black Country Communion surgió cuando Glenn Hughes y Joe Bonamassa tocaron juntos en Los Ángeles en noviembre de 2009. A raíz de ello Kevin Shirley, productor de Bonamassa, les propuso grabar un disco juntos con Jason Bonham a la batería. Como Bonamassa quería incorporar un teclista, Shirley les propuso llamar a Derek Sherinian para completar el grupo. Inicialmente el grupo se iba a llamar Black Country, por la zona minera de Inglaterra de la que proceden tanto Hughes como Bonham. Se añadió el término Communion para evitar problemas con otro grupo anterior que también se llamaba así.

Grabaron su primer disco, Black Country, durante los primeros meses de 2010 y lo publicaron en septiembre del mismo año. Posteriormente, el grupo ha continuado sacando discos y tocando en directo anualmente hasta su separación en el año 2013 por diferencias marcadas entre Bonamassa y Glenn Hughes.

En el año 2010 forma la banda Black Country Communion, grupo musical anglo-estadounidense formado por el propio Joe Bonamassa, Jason Bonham (hijo de J. Bonham – Bonzo- Led Zeppelin), Glenn Hughes (cantante de Deep Purple) y Derek Sherinian

En el año 2010 forma la banda Black Country Communion, grupo musical anglo-estadounidense formado por el propio Joe Bonamassa, Jason Bonham (hijo de J. Bonham – Bonzo- Led Zeppelin), Glenn Hughes (cantante de Deep Purple) y Derek Sherinian

Al final, el resultado fue una poderosa fusión del “Big rock sound” y swampy blues, además de apreciarse las influencias de maestros como Peter Green, Jeff Beck, Eric Clapton y John Lee Hooker. Bonamassa entrega todo el excitante poder y electrizantes apariciones en directo mezclado con la esencia de su música y manejándose desde la suavidad, hasta la dureza, desde la electricidad, hasta la suavidad más clarividente, convirtiéndose en un artista increíble a fecha de hoy, mientras continúa ampliado su colección de guitarras vintage que Bonamassa tiene en su casa de Los Ángeles.

Discografía:

1994 – Bloodline

2002 – So, It’s Like That

2002 – A New Day Yesterday, Live

2003 – Blues Deluxe

2004 – Had to Cry Today

2006 – You & Me

2007 – Sloe Gin UK

2008 – Live From Nowhere in Particular UK

2009 – The Ballad of John Henry U.S. UK

2010 – Black Rock

2011 – Dust Bowl

2011 – Don’t Explain, primera colaboración con Beth Hart.

2012 – Driving Towards the Daylight

2012 – Participa junto a Jimmy Barnes y Brad Whitford en la grabación de una impresionante interpretación de “Lazy”, del disco “Re-Machined: A Tribute to Deep Purple’s Machine Head”, el cual rinde homenaje a 40 años de “MACHINE HEAD”, sexto disco la banda británica Deep Purple.

2013 – Se reúnen entre varios músicos (Tal Bergman, Ron Dejesus, Mike Merrit, y Renato Neto) y forman Rock Candy Funk Party, lanzan el album We Want To Groove.

2013 – Acoustic Evenning at the Vienna opera House. Disco doble, versión acústica.

2013 – Seesaw, en una segunda colaboración con Beth Hart.

2014 – Different Shades of Blue.

2015 – Muddy Wolf at Red Rocks (Live).

Fuentes para el artículo:

http://jbonamassa.com/

https://es.wikipedia.org/wiki/Joe_Bonamassa

Las lágrimas por BB King las seca Joe Bonamassa, el niño …

Led Zeppelin, memoria psicodélica de la música…

Entrando en el mes de Augusto, ya en plena canícula estival mi memoria musical se retrae a tiempos donde escuchar rock and roll era casi un estigma de joven alocado, melenudo, fumeta y poco serio, más o menos como ahora pero en blanco y negro.

Led Zeppelin le puso color a la música

Led Zeppelin le puso color a la música

En aquella época mi grupo icono eran los Led Zeppelin (he de decir que siguen siendo mi banda de rock), habían mucha más bandas que rivalizaban por ser musicalmente los nuevos Beatles: The Rolling Stones, The Who, The Cream, The Kinks, Credence Crewater Revivial, The Doors, Velvet Underground, Jefferson Airplaine, The Birds, The Monkeys, etc., pero sólo una sobresalía por encima de las demás (aunque el tiempo ha demostrado que los viejos rockeros nunca mueren y hay incombustibles formaciones todavía), solo una banda demostró con el tiempo estar musicalmente al nivel discográfico de los Beatles, solo una banda fue influencia para desarrollar el nuevo rock en formaciones como Deep Purple o Black Sabath, y sin menospreciar a todas las demás, la única que supo ganarse mi corazón incondicional y atemporalmente, Led Zeppelin.

Led Zeppelin es parte de la historia de la música y no sólo del rock con sus más de 300 millones de discos vendidos.

La banda nació en 1968 de la disolución de las bandas The Yasbirds y Band of Joy por iniciativa del guitarrista Jimmy Page, el cual formó su nuevo grupo con la colaboración de John Paul Jones (bajista y teclista de The Yasbirds),  con el vocalista Robert Plant y el baterista Jonh Bonham (Bonzo) que habían formado parte de la Band of Joy.

Led Zeppelin fue y es todavía la banda más emblemática del Hard Rock (Rock duro) que fue el origen del actual “Heavy Metal”, aunque utilizó como recurso muchas influencias diferentes en sus creaciones como: el blues, el rock and roll más clásico, el folk, música celta e india, country e incluso el soul. Su sonido mucho más duro y contundente que el de muchas bandas de la época, sin abandonar el sonido orientado hacia el blues presente en el anterior grupo de Jimmy Page, The Yasbirds, en el que se explotaba más dicha tendencia fue una de sus características principales. Durante toda su discografía se pueden observar también trazos de música psicodélica heredada de músicos como Hendrix. Pero la banda no se conformó con ser catalogada como un grupo de un solo y único sonido y, bajo su lema y el misticismo del Haz lo que tú quieras, será toda Ley…” su sonido fue acogiendo otras influencias y mezclas de estilos divididos casi a partes iguales como: blueshard rock y psicodelia, creando su peculiar e inconfundible sonido.

led-zep

Pero eso tampoco era suficiente para estos inconformistas musicales, y siguieron avanzando en su peculiar modo de entender la música, de producirla y editarla, así, en su primer cambio de rumbo dentro de la discografía de la banda se da en su disco Led Zeppelin III el estilo más acústico y folk que predomina a lo largo de gran parte de las canciones incluidas en este trabajo, aunque sin abandonar el hard rock presente en las dos anteriores obras del grupo. Sin embargo, el trabajo más importante en la carrera del grupo es para muchos su álbum Led Zeppelin IV. Dicha observación viene respaldada por el número de ventas del disco y por la canción más reconocida del mismo, hasta la fecha el más exitoso de Led Zeppelin en este campo, gracias en gran medida a la inclusión de la mítica  “Stairway to Heaven”, posiblemente la canción más famosa de la banda y que contiene uno de los solos de batería más importantes de la historia de la música. El álbum está considerado como pieza clave en la posterior evolución del rock.

Después de la publicación del cuarto trabajo del grupo, éstos editan Houses of the Holy, en el que se fusionan el hard rock y el blues con elementos tomados del regaee jamaicano y del funk. De vuelta de nuevo a sus raíces, la banda publica Physical Grafitty bajo la constante estilística de los trabajos de debut, así como los álbumes Presence y In Through the Out Door.

Quién no ha escuchado canciones cómo: “Rock and Roll” , “Whole Lotta Love”, “The Rain Song”, “No quarter”, “Kashmir”, “Inmigrant Song”, “Since I’ve Bee Loving You”, “Black Dog”, etc. Temas algunos de larga duración, algo muy habitual de la banda, canciones entre seis y ocho minutes; y por supuesto, quién no ha subido al cielo con su escalera “Stairway to Heaven”.

El grupo también se definió por la originalidad de sus portadas, en muchos casos desconcertantes para la época, incluso ahora. Un ejemplo eran las runas o símbolos que representaban a cada uno de sus miembros. Así mismo no tuvo una gran relación con la prensa de la época y la irreverencia y excesos de algunos miembros tampoco ayudaron a limar asperezas y generar mejor ambiente, pero ya se sabe, los sesenta fueron la década de descubrir, de cambiar las cosas, de probar nuevas y de revelarse contra lo establecido, fue la rebelión de la juventud como nunca se ha vivido. Los sesenta cambiaron nuestro mundo en todos los aspectos. El hombre y la tecnología despegaron hasta llegar a la luna.

Led Zeppelin

Led Zeppelin

Por mucho tiempo que pase, este grupo tildado de todo, irreverente, transgresor, incluso de místico, psicodélico u ocultista, será de manera indisoluble parte de la “Historia de la Música”, por el volumen de discos vendidos, que es detrás de los Beatles la segunda formación más importante. Reconocido también por la prestigiosa revista musical Rolling Stones como uno de los 14 grupos más influyentes de la música, y que tiene entre su formación cuatro de los músicos mejores del rock; guitarra, Jimmy Page, una de las voces más peculiares e importantes del estilo rock, Robert Plant, el que posiblemente se haya convertido en el baterista más mítico de la historia rockera, John Bonham (Bonzo) y el bajo, teclista y arreglista más elegante de la misma, John Paul Jones.

Empieza agosto y yo lo empiezo escuchando a mi banda favorita y más mítica de mi universo musical. Y es que la música también tiene su historia y su memoria.

 

Jordi Carreño.

“La república y la Guerra Civil” por el comandante Robert…

La historia contada a través de sus propios personajes, es quizás la historia más veraz. La mente y la propia memoria nos traicionan a veces, o casi siempre, pero las imágenes de las retinas de aquellos que vivieron en una etapa convulsa, la voz emocionada y triste en sus testimonios no dejan de coincidir tristemente con los hechos sucedidos.

Este vídeo enviado por nuestra compañera Raquel Arto no es más que la voz de la propia historia, la voz de José Antonio Alcalde, o el comandante Robert.

José Antonio Alonso Alcalde, Alias “Comandante Robert” en la Resistencia francesa:

Nació el 14 abril 1919 en El Entrego, Asturias. Para ese hombre excepcional como para millones de otros, el advenimiento de la segunda República Española representó la gran esperanza. El golpe de estado de Franco le arrojo con algo más de 17 años en la lucha contra el fascismo que prosiguió luego en las filas de la Resistencia en Francia tras la triste epopeya de la Retirada y de los campos de concentración franceses.
José Antonio llega a mediado del año 1942 a Saint Etienne donde se integra a un grupo de sabotaje compuestos de polacos y de españoles. Detenido a primero de octubre de 1943 queda destinado con otros presos a los campos de trabajos forzados alemanes. Arriesgando su vida, se escapo con las esposas empotradas en las muñecas. Se refugio uno diez días en casa de una familia polaca, esperando ordenes de su jefe.

Aprovechando la llegada a Saint Etienne de un camarada que venia del departamento del Ariège para visitar a su esposa, la dirección envía a José Antonio a ese mismo departamento donde la tercera brigada de Guerrilleros españoles esta desplegada. Con sus 24 años nuestro protagonista continúa su trayectoria de lucha. A penas integradas a la Tercera Brigada se lleva una pequeña decepción. En efecto, la dicha Brigada, llamada BNriga, no cuenta más que 7 guerrilleros y el armamento es escaso: dos pistolas y seis bombas de mano. Unos 10 días despues se presenta un camarada que propone un atraco de mucho dinero en una ciudad llamada Lavelanet. Tras largas y pesadas discusiones, Jose Antonio se propone para efectuar el atraco, que entonces se cualificaba de golpe economico. Encabeza el grupo y con dos compañeros realiza la operación al día siguiente en la oficina recaudadora de Lavelanet. El atraco fue un éxito, cuenta nuestro comandante, pues entregué a la organización 335.000 francos, suma fabulosa en aquellos tiempos. Al día siguiente el camarada que hacia función de jefe de estado mayor marchó al pueblo cercano para lavar su ropa en casa de unos amigos y ya no volvió más a la Brigada. A los dos días de este hecho, la organización me propone el cargo del estado mayor de la brigada que al final de la contienda contaba algo mas de 300 guerrilleros, todos excelentes que sin tregua ninguna lucharon contra las fuerzas nazis hasta la liberación del país.

Jefe de estado mayor de la Tercera Brigada de Guerrilleros Españoles, alias “Commandant Robert” en la Resistencia francesa, sigue siendo una figura emblemática en todo el departamento del Ariège y particularmente en la ciudad de Foix liberada por su Tercera Brigada. Los guerrilleros encabezados por Robert libraron el combate contra los alemanes parapetados en la Ciudad Condal. La guarnición alemana se rindió tras de cuatro horas de duros combates. Con sus compañeros de lucha participo también en los combates de Rimont-Prayols y Castelnau-Durban, concretizando así la completa liberación del departamento del Ariège. Mas tarde, cumplió con su deber encabezando una Brigada en la funesta operación de la Reconquista del Valle de Aran.

El abandono por parte de las democracias -no intervención en 1936-40 y luego la negativa de liberar España del franquismo en el año 1944, dejó para siempre a nuestro héroe un sabor amargo. Tal Don Quijoteconservó la humildad:”otorgarle mas importancia a un ser humilde virtuoso que a un rico orgulloso” y la humanidad de aquellos grandes héroes quienes hablan mas de sus hombres que de si mismo.

Robert recuerda lo que dijo espontáneamente a unos periodistas hace ya muchos años: “uno, puede ser un buen jefe en el combate y guardar el corazón tierno. Siempre mire por los otros, lo que me ha permitido estrechar lazos de amistades con mucha, mucha gente. Desde entonces también he hecho mías estas palabras de Gabriel Garcia: he aprendido que todo el mundo quiere vivir en la cima de la montaña, sin saber que la verdadera felicidad esta en la forma de subir la escarpada. He aprendido que cuando un recién nacido aprieta con su pequeño puño, por primera vez, el dedo de su padre, lo tiene atrapado para siempre. He aprendido que un hombre solo tiene derecho a mirar a otro hacia abajo, cuando ha de ayudarle a levantarse. No obstante, también compañeros, conservo para siempre en mi memoria las humillaciones y las miserias de los exiliados ibéricos en los campos de concentración del sur de Francia, sin embargo quiero agradecer a todos los franceses que combatieron junto a mi.”

José Antonio Alonso Alcalde es ciudadano de Honor de la cuidad de Foix, es caballero de la Legión de Honor de la República Francesa, recibió la Roseta del Primer Orden Nacional francés, la Legión de Honor de la República Polaca y la medalla de lealtad a la República Española. El Presidente Miterrand y los Generales Bigeard e Roquejoffre
recordarón en las ceremonias oficiales que el comandante Robert seguirá siendo un ejemplo para todos.

Nació el 14 abril 1919 en El Entrego, Asturias. Para ese hombre excepcional como para millones de otros, el advenimiento de la segunda República Española representó la gran esperanza. El golpe de estado de Franco le arrojo con algo más de 17 años en la lucha contra el fascismo que prosiguió luego en las filas de la Resistencia en Francia tras la triste epopeya de la Retirada y de los campos de concentración franceses.

José Antonio llega a mediado del año 1942 a Saint Etienne donde se integra a un grupo de sabotaje compuestos de polacos y de españoles. Detenido a primero de octubre de 1943 queda destinado con otros presos a los campos de trabajos forzados alemanes. Arriesgando su vida, se escapo con las esposas empotradas en las muñecas. Se refugio uno diez días en casa de una familia polaca, esperando ordenes de su jefe.

Aprovechando la llegada a Saint Etienne de un camarada que venia del departamento del Ariège para visitar a su esposa, la dirección envía a José Antonio a ese mismo departamento donde la tercera brigada de Guerrilleros españoles esta desplegada. Con sus 24 años nuestro protagonista continúa su trayectoria de lucha. A penas integradas a la Tercera Brigada se lleva una pequeña decepción. En efecto, la dicha Brigada, llamada BNriga, no cuenta más que 7 guerrilleros y el armamento es escaso: dos pistolas y seis bombas de mano. Unos 10 días despues se presenta un camarada que propone un atraco de mucho dinero en una ciudad llamada Lavelanet. Tras largas y pesadas discusiones, Jose Antonio se propone para efectuar el atraco, que entonces se cualificaba de golpe economico. Encabeza el grupo y con dos compañeros realiza la operación al día siguiente en la oficina recaudadora de Lavelanet. El atraco fue un éxito, cuenta nuestro comandante, pues entregué a la organización 335.000 francos, suma fabulosa en aquellos tiempos. Al día siguiente el camarada que hacia función de jefe de estado mayor marchó al pueblo cercano para lavar su ropa en casa de unos amigos y ya no volvió más a la Brigada. A los dos días de este hecho, la organización me propone el cargo del estado mayor de la brigada que al final de la contienda contaba algo mas de 300 guerrilleros, todos excelentes que sin tregua ninguna lucharon contra las fuerzas nazis hasta la liberación del país.

Jefe de estado mayor de la Tercera Brigada de Guerrilleros Españoles, alias “Commandant Robert” en la Resistencia francesa, sigue siendo una figura emblemática en todo el departamento del Ariège y particularmente en la ciudad de Foix liberada por su Tercera Brigada. Los guerrilleros encabezados por Robert libraron el combate contra los alemanes parapetados en la Ciudad Condal. La guarnición alemana se rindió tras de cuatro horas de duros combates. Con sus compañeros de lucha participo también en los combates de Rimont-Prayols y Castelnau-Durban, concretizando así la completa liberación del departamento del Ariège. Mas tarde, cumplió con su deber encabezando una Brigada en la funesta operación de la Reconquista del Valle de Aran.

El abandono por parte de las democracias -no intervención en 1936-40 y luego la negativa de liberar España del franquismo en el año 1944, dejó para siempre a nuestro héroe un sabor amargo. Tal Don Quijoteconservó la humildad:”otorgarle mas importancia a un ser humilde virtuoso que a un rico orgulloso” y la humanidad de aquellos grandes héroes quienes hablan mas de sus hombres que de si mismo.

Robert recuerda lo que dijo espontáneamente a unos periodistas hace ya muchos años: “uno, puede ser un buen jefe en el combate y guardar el corazón tierno. Siempre mire por los otros, lo que me ha permitido estrechar lazos de amistades con mucha, mucha gente. Desde entonces también he hecho mías estas palabras de Gabriel Garcia: he aprendido que todo el mundo quiere vivir en la cima de la montaña, sin saber que la verdadera felicidad esta en la forma de subir la escarpada. He aprendido que cuando un recién nacido aprieta con su pequeño puño, por primera vez, el dedo de su padre, lo tiene atrapado para siempre. He aprendido que un hombre solo tiene derecho a mirar a otro hacia abajo, cuando ha de ayudarle a levantarse. No obstante, también compañeros, conservo para siempre en mi memoria las humillaciones y las miserias de los exiliados ibéricos en los campos de concentración del sur de Francia, sin embargo quiero agradecer a todos los franceses que combatieron junto a mi.”

José Antonio Alonso Alcalde es ciudadano de Honor de la cuidad de Foix, es caballero de la Legión de Honor de la República Francesa, recibió la Roseta del Primer Orden Nacional francés, la Legión de Honor de la República Polaca y la medalla de lealtad a la República Española. El Presidente Miterrand y los Generales Bigeard e Roquejoffre
recordarón en las ceremonias oficiales que el comandante Robert seguirá siendo un ejemplo para todos.

!Hasta siempre Comandante!

Enlace a través de:

http://guerracivil.forumup.es/about4984-0.html

El rey del Glam, el Duque blanco o el camaleón, pero siempre Bowie…

david-bowie-outside1David Robert Jones, nacido en la localidad inglesa de Brixton el 8 de enero de 1947, hijo de Mary Burns y Haywood Stenton, pronto demostró sus aptitudes musicales. Aficionado al jazz, se inició musicalmente con el saxofón. Ya en los años sesenta había creado y formado parte de varias bandas: The Konrads, Hooker Brothers, The King Bees o los The Manis boys (A los que Shel Talmy produjo un disco).

Se dice que la diferencia de color de sus ojos está provocada por la paralización de la pupila, la cual se produjo en una pelea juvenil con su amigo George Underwood. Éste diseñó unas cuantas portadas de Lp’s de David y su banda como: Ziggy Stardust y anteriormente Hunky Dori.

En el año 1965 David inicia su carrera en solitario y se cambia el nombre para no ser confundido con el cantante y actorde la época y con el mismo nombre David Jones, pasándose a llamar David Bowie.

A lo largo de su trayectoria, la música de Bowie se ha vinculado con múltiples géneros, como el folk rock, el glam rock, el soul o la música electrónica, demostrando una gran facilidad para reinventarse y adaptarse a las nuevas tendencias musicales, incluso en algunas ocasiones inspirándolas o anticipándose a ellas, por lo que es popularmente conocido como el Camaleón del Rock. Además de demostrar su talento en su faceta musical, como cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, también ha trabajado como actor, director de vídeos musicales y artista plástico.

Bowie estuvo casado con Angela Barnett, con quien tuvo un hijo, Zowie. Desde 1992 está casado con la modelo Iman, con la que tuvo a su hija Alexandria.

david12Su primer gran éxito llegó en 1969 con una canción de folk pop orquestado en la que narra la historia de un astronauta perdido en el espacio llamado Major Tom y a la que tituló Space Oddity en honor a la película 2001: A Space Odyssey (2001: Odisea del Espacio). Este tema abriría y daría nombre a su segundo elepé, en el que se aproximaba a la música psicodélica, corriente dominante en ese momento. Fue su primer disco producido por Tony Visconti y también contó con la participación de Rick Wakeman, teclista del grupo Yes.

A este disco le seguiría The Man Who Sold The World (1971), donde empezó a colaborar con el guitarrista Mick Ronson, considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del rock y pieza esencial en el sonido de Bowie a partir de entonces. El disco estaba muy influido por el hard rock de grupos como Led Zeppelin y no obtuvo tanta repercusión como el anterior. Dos décadas después, en 1993, el grupo Nirvana haría una versión del tema que daba título al álbum, obteniendo un gran éxito en todo el mundo.

El siguiente disco de Bowie fue Hunky Dory, en el que incluiría las canciones Changes y Life on Mars?, dos de sus grandes éxitos. También en este álbum dedicaría sendas canciones a sus admirados Bob Dylan y Andy Warhol. En esta época comenzaría a jugar con la teatralidad y la ambigüedad sexual características del glam rock, influido por sus amigos Lindsay Kemp y Marc Bolan, quien por entonces ya era una gran estrella al frente de T. Rex.

El éxito de masas le llegaría en 1972 con su siguiente elepé, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un álbum conceptual en el que narra la historia de una estrella del rock venida de otro planeta, Ziggy Stardust, bautizando a su banda de acompañamiento como The Spiders From Mars. Este disco se convertiría en el más célebre del glam rock, y está considerado como uno de los mejores y más influyentes en la historia del rock.

En esta época Bowie era omnipresente en el pop, algo que queda patente con sus colaboraciones en otros discos importantes del género, produciendo Transformer de Lou Reed, All The Young Dudes de Mott The Hopple -donde también toca el saxo- y mezclando Raw Power de Iggy & The Stooges. Su vida privada también dio que hablar, ya que tanto él como su primera esposa, Angela Bowie, se declaraban abiertamente bisexuales. Según cuenta la leyenda del rock, su divorcio estuvo motivado porque David sorprendió a Angela en la cama con Mick Jagger, quien le dedicaría su famosa canción Angie.

En 1973 Bowie volvería a mutar en un nuevo personaje, Aladdin Sane, en el disco del mismo título, que le consolidó como uno de los artistas más populares del momento. El mismo año haría un guiño a su pasado mod publicando Pin Ups, un disco de versiones de canciones de los 60 de artistas como Pink Floyd, The Rolling Stones, The Who o The Kinks entre otros. Un año más tarde lanza Diamond Dogs, ya sin la colaboración de Mick Ronson y The Spiders From Mars, un álbum inspirado en la novela 1984 de George Orwell cuya portada fue censurada en varios países.

Aunque Bowie e Iggy Pop se desentendieron de ella, la película Velvet Goldmine – título tomado de una canción de Bowie- pretende reflejar la relación entre ambos durante los años dorados del Glam.

Durante la gira de Diamond Dogs, Bowie comenzó la grabación del álbum Young Americans, orientando su sonido hacia el funk y el soul y rompiendo con la estética glam. De dicha gira se editaría un álbum en directo titulado David Live, grabado en el Philadelphia Tower Theater, en el que quedará plasmado el gran cambio estilístico del artista.

Su nuevo disco, que intentó ser una crítica al modo de vida estadounidense, incluyó su primer número uno en este país, la canción Fame, co-escrita y grabada con John Lennon. Durante 1975, Bowie se consolidó como una mega estrella en Estados Unidos. Young Americans se mantuvo en las listas de discos más vendidos durante casi un año, y actuó en los programas más famosos de la época, como Soul Train o Dick Cavett Show; incluso llegaría a grabar un programa especial con Cher. En Gran Bretaña también lograría el número 1 ese mismo año con una reedición del single Space Oddity.

Es en esta época, la adicción de Bowie a la cocaina alcanza cotas altísimas. Su extrema delgadez, su nueva imagen, con el pelo rubio rojizo engominado, y su aspecto totalmente alienígena, le sirven en bandeja su primera incursión en el mundo cinematográfico, protagonizando la película The Man Who Fell To Earth, en la que interpreta a un personaje en el que se inspiraría para crear su siguiente alter ego, The Thin White Duke (El Duque blanco), en su siguiente álbum, Station To Station

Station To Station, editado en enero de 1976, es un disco a medio camino entre el funk y el soul de su antecesor y la experimentación electrónica que vendrá en sus obras futuras. El single Golden Years, extraído del elepé, arrasa en las pistas de baile. En estas fechas Bowie llega a su punto más álgido en el mercado estadounidense, tras su éxito en el europeo durante su etapa glam. Después de una intensa gira que le lleva a recorrer medio mundo regresa a Europa para comenzar su etapa más experimental.

En 1977, el cansancio del éxito y su interés por el emergente krautrock alemán le lleva a trasladarse a Berlín, donde realizaría sus tres siguientes discos, conocidos como la Trilogía de Berlín. En esta ciudad comparte piso con Iggy Pop y ambos se desintoxican de su severa adicción a las drogas. Bowie ayuda a Pop produciendo sus dos primeros discos en solitario, y co-escribiendo la mayoría de las canciones, The Idiot y Lust For Life, los más aclamados de la carrea solista de Pop, quien le devuelve el favor con una pequeña colaboración en coros en el primer disco berlinés de Bowie, Low. Este disco y los dos siguientes los co-produce el propio Bowie junto a Tony Visconti, pero el factor decisivo en el característico sonido de la trilogía correría a cargo de otro superviviente del glam rock, Brian Eno, quien escribe y toca muchas de las partes instrumentales de las canciones, dotándolas de grandes influencias del krautrock y la música electrónica.

david_bowie_011El siguiente elepé, Heroes, que contiene la famosa canción del mismo título, inspirada en el Muro de Berlín, continuaría la estética de su antecesor produciendo atmósferas aún más producidas en cuanto a sintetizadores y electrónica. Si bien Low mantuvo el filón comercial del artista, éstos discos no destacaron en lo comercial, aunque fueron inmensamente alabados por la crítica oficial y serían un eslabón decisivo entre la electrónica y la música pop por venir en la década de los 80. Bandas y solistas pioneros como Gary Numan, Joy Division, Bauhaus, o posteriormente Nine Inch Nails, reconocerían la directa influencia e inspiración de estos álbumes. El siguiente álbum Lodger, alejándose de la estética de Eno y adentrándose en las nuevas corrientes por venir en la década de los 80, cierra esta etapa.

El sonido opaco y experimental de la Trilogía de Berlín sería determinante para varias de las nuevas corrientes musicales que se estaban originando por esas fechas, como el rock gótico, el post punk, el synth pop, el new wave o el new romantic.

De vuelta a EE. UU., Bowie graba Scary Monsters, su nuevo gran disco, editado en 1980, en el que conecta con la furia y la fuerza de la emergente new wave y los nuevos románticos, con la destacada colaboración del guitarrista Robert Fripp. De aquí surge el single Ashes to ashes, donde retomaría las desventuras del Major Tom, el protagonista de Space Oddity. Este disco fue número uno en Gran Bretaña y supuso el reencuentro del artista con las listas de éxitos y las grandes ventas después de la bancarrota que había supuesto la trilogía berlinesa para su discográfica.

Después de grabar en 1981 un tema con Queen, Under Pressure, el Duque Blanco inicia su período más comercial, cambia de discográfica (hasta la fecha había sido RCA) firmando un contrato multimillonario con EMI y graba el que será su disco más vendido: Let’s dance (1983), producido por Nile Rodgers. Tanto el single que da título al álbum como China girl y Modern love se convierten en grandes éxitos a ambos lados de Atlántico, y el disco logra ventas millonarias convirtiéndose en el segundo disco más vendido de 1983, tan sólo por detrás de Michael Jackson. Al año siguiente, Rodgers será elegido para producir Like a Virgin, el lanzamiento mundial de Madonna.

Una gira mundial termina de consagrar a Bowie como un artista dinosaurio, al más puro estilo de Elton John, Cher, Tina Turner o Mick Jagger. A la par Bowie continuaría con una irregular carrera cinematográfica con trabajos como El Ansia, de Tony Scott, o Feliz Navidad Mr Lawrence, de Nagisha Oshima, que le reportarían positivas críticas como actor.

En 1984 graba Tonight intentando repetir la fórmula comercial de Lets Dance. Si bien el disco fue otro gran éxito de ventas gracias al single Blue Jean, las criticas fueron muy severas con el artista, acusándole de haberse estancado y haber perdido su aura innovadora de los años 70. Bowie se refugiaría en el cine en los años siguientes trabajando en las películas Cuando llega la noche, de John Landis, Principiantes, de Julian Temple, Dentro del Laberinto, de Jim Henson y La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese.

En 1987 graba el que para buena parte de sus seguidores es su peor disco hasta la fecha, Never Let Me Down, que junto con la tibia acogida de su gira de presentación, Glass Spider, obligarían a Bowie a buscar una nueva vía musical y romper con su etapa más comercial. En 1989 forma un supergrupo llamado Tin Machine, con el que según sus propias palabras, intentaba recoger el espíritu de las bandas punteras del indie rock del momento, como Sonic Youth o The Pixies. Con este grupo graba dos discos de estudio con los que no obtiene el éxito de ventas esperado a pesar de contar con buenas canciones.

Durante los años 90, Bowie seguirá experimentando en todas las direcciones, demostrando, en discos como Black tie white noise, Outside, Hours, Heathen (vuelta a colaborar con Visconti) o Reality, que el paso del tiempo no hace mella en su talento musical ni en su capacidad de innovación. A lo largo de su carrera ha versionado canciones y ha hecho colaboraciones con grupos como The Cure, Iggy Pop,Massive Attack , Aphex Twin , Tina Turner, Pet Shop Boys, David Gilmour, Blur, Placebo, Lou Reed, Queen, Mick Jagger, Billy Corgan, Pink Floyd o recientemente The Arcade Fire, Keane y TV on The Radio. Artistas nacidos bajo su influencia son Gary Numan, Joy Division, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pixies, Muse y Suede, y sus discos pueden considerarse, después de los del propio Bowie, el mejor ejemplo de una rica y polifacética carrera musical.

Los géneros en los que incursionó fueron el Folk, Hard Rock, Glam, Soul, R&B, Electrónica, New Wave, Dance, Post-punk, Industrial, Drum & Bass, Pop y Art Rock.

DISCOGRAFÍA DE ESTUDIO:

1967 David Bowie (álbum), 1969 Space Oddity, 1971 The Man Who Sold the World, 1971 Hunky Dory, 1972 The rise and fall of Ziggy Stradust and the Spiders from Mars, 1973 Aladdin Sane, 1973 Pinups, 1974 Diamonds Dogs, 1975 Young Americans, 1976 Station ot Station, 1977 Low, 1977 Heroes, 1979 Lodger, 1980 Scary Monsters and Super Creeps, 1983 Let’s Dance, 1984 Tonight, 1987 Never let me Down, 1989 Tin Machine, 1991 Tin MAchine II, 1993 Black tie, White noise, 1993 The Budda of Suburbia, 1995 Outside, 1997 Earlhling, 1999 Hours, 2002 Heaven y 2003 Reality.

DISCOS EN DIRECTO:

1974 David Live, 1978 Stage, 1979 Rock Concer, 1982 David Bowie and the Tower Philadelphia, 1993 Best of Grunge Rock, 1995 Santa Mónica 1972, 1995 Ziggy Stardust…, 1995 Live 1972, 1995 Rarest One Bowie, 1996 A Portrait in Flesh, 1996 Phoenix Festival CD, 2000 Live and Well y 2007 Glass Spider Tour.

FILMOGRAFÍA:

1973 Ziggy Stardust…, 1976 The Man Who Fel to Earth, 1979 Just A Gigolo, 1981 Christiane F.Wir Kinder Vom Bahnhof Zoo, 1983 El ansia (The Hunger), 1983 Furyo, 1986 Absolute Beginners, 1986 Dentro Laberinto, 1988 La última tentación de Cristo, 1991 The Linguini Incident, 1992 Twin Peaks: Fire Walk with me, 1996 Basquiat, 1998 Everybody Loves Sunshine…, 1998 Il Mio West, 2000 Exhuming Mr. Rice, 2001 Zoolander y 2006 The Prestige.

david-bowie-picture-14David Bowie pop singer

Fuentes: WIKIPEDIA, Aloha Criticón Pop Rock y página oficial de David Bowie.

BO DIDDLEY, de puño duro a mano virtuosa…

“Si en el Rock & Roll Elvis Presley fue el rey y Chuk Berry su poeta, Bo Diddley era el arquitecto”

Mitico Bob Diddley

Mítico Bob Diddley

Me encanta esta definición del viejo Bo Diddley, al cual se le apagó la luz en junio de este año en su casa de Archer (Florida), a los setenta y nueve años de edad.

Es uno de esos músicos que sin haber llegado a estar nunca en la cima del mundo musical, creó un estilo propio y escuela en el Rock and Roll. Siendo fuente de inspiración de gente como: U2, The Who, The Class, Bruce Springsteen y los propios Rolling Stones (los cuales lo tuvieron tocando con ellos como artista invitado); en especial la devoción que sentía su guitarra Keith Richards, que afirmaba de Bo Diddley que era “impresionante o fascinante”.

Este ex boxeador de puño duro, pasó a mano virtuosa dejando los guantes y el cuadrilátero para tocar en la calle, mercadillos y finalmente llegar al mítico 708 donde empezó su carrera de cierto éxito.

Su verdadero nombre era Ellas Bates y le gustaba que le llamaran el francés negro. Su afición a la música dicen que le provenía de John Lee Hooker y que fue su hermana la que le regaló su primer instrumento.

Su estilo musical basado en el ritmo beat, tocado de su manera peculiar hizo que se creara, lo que se ha dado a llamar, “Bo Diddley beat”. También creó y patentó su pintoresco y peculiar tipo de guitarra “Square-Bodied”. Aunque conocido mundialmente por su virtuosismo con la guitarra, también se prodigaba con el violín.

Guitarra Gretsch

Guitarra Gretsch

Íntimo amigo del gran Chuk Berry con el que llego a tocar muchas veces y gurú de más de un guitarrista y músico de nivel, a Bob le tardó mucho tiempo en llegar el reconocimiento a su talento y obra.

Con una carrera discográfica extensa (1958-2002) no empezó a recibir reconocimientos a su labor y trabajo hasta el año 1986 cuando lo incluyeron en el Washington Area Music Association como uno de los padres fundadores del rock. A partir de ahí hasta el año 2005 no cesaron de llegarle los galardones.

Bod Diddley ya no está con nosotros, pero nos queda su mejor legado. Su música.

Bo Diddley

DISCOGRAFÍA:

Bo Diddley (1958), Go Bo Diddley (1959), Have Guitar-Will Travel (1960), Bo Diddley In The Spotlight (1960), Bo Diddley Is A Gunslinger (1960), Bo Diddley Is A Lover , (1961), Bo Diddley’s A Twister (1962), Bo Diddley (1962), Bo Diddley & Company (1962), Surfin’ with Bo Diddley (1963), Bo Diddley’s Beach Party (1963), Bo Diddley’s 16 All-Time Greatest Hits (1964), Two Great Guitars (con Chuck Berry) (1964), Hey Good Lookin’ (1965), 500% More Man (1965), The Originator (1966), Super Blues (con Muddy Waters y Little Walter) (1967),Super Super Blues Band (con Muddy Waters y Howlin’ Wolf) (1967), The Black Gladiator (1970), Another Dimension (1971), Where It All Began (1972), Got My Own Bag of Tricks (1972), The London Bo Diddley Sessions (1973), Big Bad Bo (1974), 20th Anniversary of Rock & Roll (1976), I’m A Man (1977), Ain’t It Good To Be Free (1983), Bo Diddley & Co – Live (1985), Hey…Bo Diddley in Conce rt (1986), Breakin’ Through The BS (1989), Living Legend (1989), Rare & Well Done (1991), Live At The Ritz (con Ronnie Wood) (1992), This Should Not Be (1993), Promises (1994), A Man Amongst Men (1996), Moochas Gracias (con Anna Moo) (2002)

VIDEOS YOUTUBE:

http://es.youtube.com/watch?v=6F1Mk6U5zVY

http://es.youtube.com/watch?v=sgzn7VyoqEw

http://es.youtube.com/watch?v=bI_nrfo2KIY

http://es.youtube.com/watch?v=fW4qHQY9uk4

 

Jordi Carreño

LA CREMA de los años sesenta…tenía a “Mano Lenta”

Eric Clapton miembro fundador de Cream

Eric Clapton miembro fundador de Cream

¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya del incombustible guitarrista Eric Clapton? Pues lo único que puedo deciros es que todo tiene un principio y que el orígen de éste viene a través de uno de los tríos mejores de la historia del Rock “The Cream”. Una batería potente, un bajo exquisito y una guitarra a la que no importa ponerle adjetivo. Voces agudas y sonido underground. Otra recomendación para aquellos que nos los habéis escuchado aún (podéis ver los enlaces con sus videos de más abajo) y deleitaros escuchando Strange Brew, Wrapping paper, Sunshine of your love, etc. Así que os dejo con ellos porque hay veces que sobran las palabras…

Carátula de LP

Carátula de LP

Cream (o The Cream) fue una banda de rock británica de los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres power trios y supergrupos de la década. Estaba formada por Eric Clapton en la guitarra, Jack Bruce en el bajo y como vocalista, y Ginger Baker en la batería.

Esta formación dio lugar a una de las más vitales y efectistas bandas entre 1966 y 1968. Cream es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock en un estilo denominado entonces música underground

The Cream

The Cream

Miembros

Historia

Primera etapa

Su primer sencillo, Wrapping paper, fue un adelanto de su sonido, plenamente configurado en el siguiente, I feel free. Su primer álbum, Fresh Cream, resultó toda una innovación, y el siguiente, Disraeli Gears, fue declarado disco del año en muchos países (1968).

1968 y separación de la banda

A lo largo de 1968, Cream irrumpe con éxito en Estados Unidos con una gira. Su doble álbum Wheels on fire se considera su obra cumbre, conteniendo un albún de estudio y otro en vivo durante una actuación en el mítico Filmore East de San Francisco. Pero la magnitud del grupo y las presiones externas minaron la estabilidad del trío. Eric Clapton declara tras escuchar el disco de The Band Music from the Big Pink que la fórmula de Cream estaba ya obsoleta para él: Al escuchar la grabación de The Band comprobé que Cream estába totalmente pasado de moda. Los músicos piensan que es mejor retirarse en plena gloria, y el 26 de noviembre de 1968 dan su concierto de despedida en el Royal Albert Hall de Londres. El concierto es filmado y grabado. De ahí surgen una película y el último álbum Goodbye.

Reuniones posteriores

Tras la separación se editan discos con material conocido y actuaciones en vivo. Clapton formaría Blind Faith, otro grupo decisivo, Ginger Baker, Air Force y luego Baker Gurvitz Army. Jack Bruce graba en solitario, con John McLaughlin primero y Larry Coryell, Mike Mandel y Mitch Mitchell después. Forma el grupo West, Bruce and Laing y un supergrupo con Mick Taylor (ex Rolling Stones) y otros, y llega a componer la Jack Bruce Band.

En 1993 se reunieron con motivo de su introducción al salón de la fama del rock. La gran reunión se dio, sin embargo, en mayo de 2005 donde ofrecieron de nuevo una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres donde interpretaron nuevamente algunas de sus creaciones más emblemáticas. De estos conciertos se grabó un espectacular álbum doble y un DVD que reune sus más conocidos éxitos. A fines de octubre de 2005 ofrecieron tres conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York.

Álbumes

Fresh Cream. Reaction (Diciembre)

  • Disraeli Gears. Reaction (Noviembre 1967)
  • Wheels of Fire (2xlp, disco 1 en estudio, disco 2 en vivo en el Fillmore). Polydor (Agosto 1968)
  • Goodbye (parte en estudio, parte en vivo). Polydor (Marzo 1969)
  • Best Of Cream (recopilación). Polydor (Noviembre 1969)
  • Live Cream (en vivo). (Junio 1970)
  • Live Cream Volume II (en vivo). Polydor (Junio 1972)
  • Heavy Cream (recopilación). Polydor (Abril 1973)
  • Cream Box Set (recopilación 6xlp). Polydor (Octubre 1980)
  • Strange Brew: The Very Best Of Cream (recopilación). Polydor (Febrero 1983)
  • The Very Best Of Cream (recopilación). Polydor (Febrero 1995)
  • 20th Century Masters – The Millennium Collection: The Best of Cream (recopilación). Polydor (Febrero 2000)
  • BBC Sessions (recopilación en vivo). Polydor (Marzo 2003)
  • I Feel Free: Ultimate Cream (recopilación). Polydor (Mayo 2005)
  • Royal Albert Hall: London May 2-3-5-6 2005 (en vivo, 2xcd). Polydor (Octubre 2005)

Sencillos

Vídeos

  • Farewell Concert. VHS, DVD. Grabado en el “Royal Albert Hall”, en noviembre de 1968.
  • Strange Brew. Reedición de Farewell Concert con tomas extras.
  • Royal Albert Hall. London May 2-3-5-6 2005. DVD. Grabado en el “Royal Albert Hall” en mayo de 2005
  • Cream: Disraeli Gears (2006). DVD. Documental sobre la grabación de Disraeli Gears y sobre el impacto que causó en los 60.

(Fuente de la biografía WIKIPEDIA)

Mick Hucknall o la voz de Simply Red…

Como ya os había prometido, en el blog no todo será formal, trascendente, serio y comprometido. También  había declarado mi intención de ir añadiendo algún que otro post lúdico, curioso, ocioso y que al mismo tiempo sirviera a modo de recomendación. Este es el caso del actual.

¿Porqué lo inico con un grupo musical británico? En principio porque como ya apunté es su día en  mi tarjeta de presentación del blog soy un melómano, porque aunque mis preferencias musicales normalmente derivan más hacia la música clásica, la ópera, el jazz, funky, rythm&blues, soul y el rock de los 70 y 80; dentro de la música pop de la época de los 90 y más concretamente del pop-británico me cautivó una voz masculina de aire soul (Mick Hucknall), con ritmos británicos que unían el soul, el funky y el rythm&blues con cierta fusión e influencia sonora reegae. Me pareció entonces una gran apuesta musical, y me sigue pareciendo todavía un regalo para los oídos y sobre todo para el alma “La música amansa las fieras”. Así pués manteniendo el formato histórico de mis ciber-escritos, os dejo con la Biografía del grupo y el apunte de su discografía con los enlaces o links de interés al respecto. Que lo disfrutéis al menos tanto como yo…

Mick Huchnell -Portada Simplified

Mick Huchnell -Portada Simplified

Simply Red

Fuente de la información: Wikipedia, la enciclopedia libre:

LOS MIEMBROS DE LA BANDA:

Mick Hucknall
Dave Clayton
Steve Lewinson
Kevin Robinson
Pete Lewinson
Dee Johnson
Ian Kirkham
Kenji Suzuki
Chris De Margary
Sarah Brown
John Johnson

Grupo Británico. Pop, soul, jazz y rythm & blues son las influencias sonoras que ofrece principalmente esta banda además de contar con canciones de Reggae y Rock, que cumplirán 25 años de historia en 2009.

Fue formado en 1984 por el cantante Mick “Red” Hucknall (nacido Michael James Hucknall el 8 de junio de 1960 en Manchester), quien contó para ello con tres ex miembros del grupo Durutti Column: Tony Bowers (n. 31 de octubre de 1952) al bajo, Chris Joyce (n. en Manchester el 11 de octubre de 1957) a la batería y Tim Kellett (n. en Knaresborough el 23 de julio de 1964) al teclado; además de con Sylvan Richardson (guitarra) y Fritz McIntyre (n. en Birmingham el 2 de septiembre de 1956) al teclado.

Discografía:

Picture Book

El grupo firmó con Elektra Records y realizó Picture Book (octubre de 1985),con el que Simply Red se colocó en el número 2 de las listas inglesas, en las que se mantuvieron durante 30 semanas consecutivas. Este CD contenía los temas “Money’s Too Tight (To Mention)” y “Holding Back the Years”, que fueron grandísimos éxitos, convirtiendo al grupo en uno de los protagonistas del año musical en 1986. Tambien hay que destacar otros temas como “Heaven”, “Picture Book, “Come to my Aid”, “Jericho” y “Open up the Red Box”. “Estuve sin empleo durante cuatro años y mi primer álbum llegó a las listas de éxito. Estuvo entre los más vendidos de mi país”, dijo Mick. Nadie había conseguido hasta la fecha volar tan alto con su primer larga duración.

Formación inicial de Simpley Red

Formación inicial de Simpley Red

Men & Women

En marzo de 1987 Simply Red publica su segundo álbum, Men & Women, un disco totalmente soul, un estilo muy del agrado de Mick que contenía dos colaboraciones entre Hucknall y el letrista de soul Lamont Dozier,Este fue menos exitoso, aunque generó temas muy populares como “The Right Thing”, “Infidelity” y “Ev’ry Time We Say Goodbye”.

A los pocos meses de la publicación de este álbum, el guitarrista Richardson abandonó el grupo y fue reemplazado por el guitarrista Aziz Ibrahim, quien a su vez fue reemplazado por el brasileño Heitor T.P.

A New Flame

Simply Red publicó un nuevo trabajo en febrero de 1989, bajo el tíyulo de A New Flame. Este álbum resultó ser uno de los de mayor éxito de la banda y les sirvió para situarse en lo más alto de las listas. Fuedisco de oro gracias a la versión del tema de 1972 de Harold Melvin & the Blue Notes “If You Don’t Know Me By Now”; también fueron éxitos temas como la versión del tema de Barry White “It’s Only Love” y “A New Flame”, “More” y “You’ve got It”.

Stars

Ese año la banda se consolidó como el grupo blanco de Soul más importante salido de Inglaterra.Tras el cuarto disco, Stars (septiembre de 1991), Bowers y Joyce abandonaron la banda, y se unieron a ella Shaun Ward en el bajo y Gota Yashiki en la batería, además del saxofonista Ian Kirkham. El disco fue un relativo fracaso en Estados Unidos (“Something Got Me Started” y “Stars” fueron, no obstante, temas exitosos) pero un grandísimo éxito en el Reino Unido, donde fue el disco más vendido de 1991. Vendió en todo el mundo casi 8 millones y medio de copias, superando a importantes estrellas como Michael Jackson, U2, Dire Straits y Guns N’ Roses. Otros temas destacados de este fueron “Thrill Me”, “Your Mirror”, “For Your Babies” y “Wonderland”. Al año siguiente la banda graba un concierto realizado en Hamburgo, el cual fue reeditadp en 2005.

Life

Ward y Gota se marcharon al ir a realizar el quinto álbum, Life (octubre de 1995), incorporándose, en cambio, la cantante Dee Johnson. El single de este álmbum fue Fairground, el primer número uno de la banda en Inglaterra, y otros temas como “So Beautiful”, “Never Never Love”, “We’re In This Together” y “Remembering the First Time” se convitieron en éxitos. El hit We’re in This Together fue interpretado por Mick Hucknall y un coro en la ceremonia de la Eurocopa 1996, la cual tuvo lugar en Inglaterra.

Greatest Hits

Al año siguiente Simply Red saco su primer recopilatorio de grándes éxitos titulado Greatest Hits incluyendo en el un hit titulado “Angel”, el cual tuvo mucho éxito y se convirtió en un clasico de la banda y logro primeras posiciones en las listas británicas. Hoy en día sigue vendiéndose.

Blue

En 1998 la banda saca a la venta el CD Blue, disco que se reencotraba con el género clásico de esta. Fue su quinto disco consecutivo en llegar a la cima de la lista de álbumes inglesas, además que fue el regreso a un estilo soul más cercano a “A New Flame”. De este CD se destacaron varios éxitos como “Mellow my mind”, “Say you love me”, “Night Nurse”,de Gregory Isaacs, que alcanzó el primer lugar en las listas de ese país, “Broken Man” y el cover del tema de la banda Bread “The air that I breathe”. Ese mismo año se grabó en el Lyceum Theatre el DVD en vivo Live in London, el cual fue uno de los más vendidos.

Love and The Russian Winter

En 1999 aparece Love & The Russian Winter, un trabajo que mostraba las nuevas tendencias musicales de Hucknall, y que incluía además, versiones muy discotequeras. No tuvo mucho éxito pero de este se destacaron temas como “Ain’t That A Lot Of Love”, “The spirit of life”, “Back into the universe” y “Thank you”. Sin embargo, sobre ese disco Mick Huncknall dice que “Cada vez que me siento a hablar de un nuevo proyecto, puedo decir con la mano en el corazón que di lo mejor en ese momento en particular”…”Pero siento que esta vez alcancé la cima.”

It’s Only Love

En el año 2000 la banda saca el disco It`s Only Love, una recopilación de grandes éxitos más un nuevo hit, “Lady godiva’s room”.

Home

Tras renunciar a las disqueras y crear su propio sello discográfico, simplyred.com, editaron Home en 2003, un álbum grabado en el estudio privado de Mick Hucknall, con medios más discretos que anteriores trabajos pero logrando un sonido más puro, que vendió más de un millón de copias. Cuenta de varios éxitos como “Sunrise”, de Hall and Oates, el cual lo puso de nuevo en la cima de las listas musicales británicas , “Fake” (con un popular videoclip), “You Make Me Feel Brand New” y, por último, “Home”, cuyo videoclip fue grabado en Málaga. Ese mismo año graba en Sicilia un nuevo DVD en vivo, con extras de conciertos en Croacia y Francia. Ese mismo año saca a la venta un DVD con todos sus videoclips hasta el momento, titulado Simply Red Greatest Video Hits.

Simplified

Dos años después, la banda produjo Simplified, una colección de viejos temas con arreglos musicales de estilo de música cubana como el totalmente renovado “Something Got Me Started” y nuevas canciones como “Perfect Love”. Más tarde se lanzó el DVD Cuba!

El 25 de Septiembre de 2006 se lanzó a la venta el sencillo Oh! What A Girl! un nuevo éxito, y que cierra el ciclo del DVD Cuba grabado en el Teatro más importante de La Habana.

Stay

El último disco que salió de Simply Red se publico el 12 de Marzo de 2007, lleva por título “STAY” y del cual el primer sencillo extraído es “So Not Over You” que ya ha comenzado a ser radiado en todo el mundo. El sencillo salio a la venta el 5 de Marzo de 2007 en el Reino Unido. De este CD se destacaron “Oh!What A Girl!”, “Stay”, “The World And You Tonight” y “Good Times Have Done Me Wrong”. Ese mismo año la banda graba un nuevo DVD en vivo, esta vez en el Royal Albert Hall, interpretando todos lo grandes éxitos de su historia y los mejores hits de este nuevo CD. El DVD fue titulado Stay at the Royal Albert Hall

Ahora, luego de más de 20 años junto, la agrupación anunció su retiro.

Actualmente, la banda está realizando una gira mundial. Hucknall ha asegurado que la gira continuará hasta primavera de 2010 por todo el mundo y que, una vez finalice, “me relajaré y crearé una carrera con mi propio nombre”, ya que “tengo pasión por diferentes estilos de música, entre ellos por los 40 con música de fiesta. De alguna manera, decidimos que 25 años fue suficiente”, dijeron en un comunicado de prensa.


Recientemente, el pasado 18 de Junio, Mick Hucknall fue padre de una niña llamada Romy True Hucknall nacida en Londres.

Enlaces de Simpley Red en YOUTUBE:

www.youtube.com/watch?v=OOJJ1JWgWIA

www.youtube.com/watch?v=1dKNc6RMYk8

I Pagliacci de Leoncavallo

Una de mis óperas favoritas  es “I Pagliacci de Leoncavallo”. Una obra peculiar con una historia peculiar. Ruggero Leoncavallo la escribió para presentarla a concurso en 1888 y fue rechazada. Tiene para mi gusto personal una de las mejores arias: “Recitar!…Vesti la giubba”, capaz de hacer que se me ponga la piel de gallina, lo mismo que dicen  que era, lo único capaz de hacer llorar a scarface (Al Capone) cuando la oía.

Escucharla en las voces de Luciano Pavarotti en el papel de Canio, Mirella Freni en Nedda, Ingvar Wixell como Tonio, Vincenzo Bello haciendo de Beppe y Lorenzo Saccomani de Silvio es un lujo. Un elenco que parece haber nacido para cantar esta obra juntos. Quizás porque la mayoría son italianos y son capaces de sentir y transmitir esta tragedia como nadie.

Ruggero Leoncavallo

Ruggero Leoncavallo

HISTORIA DE LA OBRA:

Esta obra está muy ligada a la ópera de Mascagni “Cavallería Rusticana” , es más, se las consideran óperas hermanas debido a que sus historias están muy ligadas tanto cronologicamente como en  el estilo (corriente verista).

La editora Sonsogno convocó un concurso para óperas breves ofreciendo premios en dinero y puesta en escena a las tres mejores obras presentadas con la única condición de que fueran de un sólo acto y libre elección el tema escogido. Así fue como rechazaron la obra de Leoncavallo, ya que esta estaba compuesta por dos actos. La ganadora del certamen fue “Cavalleria Rusticana” de Mascagni, segunda “Labilia” de Spinelli y tercera “Rudello” de Vicenzo Ferroni (estas dos últimas estan olvidadas completamente y son obras inéditas en los carteles de hoy). Aún así y debido a la persistencia del autor y al buen criterio de la editora, “I Pagliacci” se editada y se presentó por primera vez en el año 1892 en el teatro de Verme en Milán, siendo un éxito rotundo.

Caratula de la ópera I Pagliacci editada por Decca

Caratula de la ópera I Pagliacci editada por Decca

Personajes :

  • Canio alias « Payaso », director de una tropa de comediantes ambulantes, tenor
  • Nedda alias « Colombina », su esposa, soprano
  • Tonio alias « Taddeo », un payaso, barítono
  • Peppe alias « Arlequin », tenor
  • Silvio, un aldeano, barítono

La obra tiene lugar en una aldea de Calabria, una tarde de un 15 de agosto:

Acto I:

Tras el preludio, Leoncavallo inicia esta ópera con la aparición, a telón bajado, de Tonio, disfrazado de Taddeo en la Commedia dell ‘Arte. Es el prólogo. Tonio se presenta ante el público para explicar qué obra van a ver los espectadores (“Si può?”…¿Se puede?”) y como podrán disfrutar de esta obra que el autor compuso para los hombres, lleno está de amores y odios. Es un aria en la que se puede observar los distintos cambios musicales

Tras el prólogo, empieza el acto con la llegada de un grupo de payasos a un pueblo, en la festividad de la virgen de Agosto, para representar una obra. La compañía, dirigida por Canio, está formada también por su esposa Nedda, el jorobado Tonio, y Beppe. El recibimiento es acogedor para los payasos, que lo agradecen (eh,Son qua… “Sei de’ pagliacci”). Canio anuncia al pueblo que esa noche a las 23 horas hay un gran espectáculo al que nadie ha de faltar (“Un grande spettacolo a ventitré ore”). Cuando Nedda baja, Tonio le trata de ayudar pero Canio le da un pequeño golpe mientras que los lugareños le ríen las gracias. Los celos de Canio vuelven a resurgir cuando algún joven le insinúa, sin mala intención, que Tonio, que había rechazado la invitación para tomar algo junto a los compañeros, se quedaba para cortejar a Nedda (“Bada, Pagliaccio, ei solo vuol restare per far la corte a Nedda” ). Canio muestra en este aria, “Un tal gioco, credetemi”, un carácter revelador del final de esta ópera ya que deja bien claro que el final, en la realidad, sería bien diferente del de la obra en caso de que Nedda le engañase con algún hombre (el oyente notará como Canio aumenta su intensidad cuando habla de lo que pasaría sin descubriese a Nedda). La llegada de gaiteros acompañando la comitiva de parejas que van a las vísperas, junto a las campanadas de la iglesia del pueblo, hacen que la gente despeje la plaza (“Don, din, don, din. suona vespero”). Cuando Nedda se queda sola, se pone a pensar y preocuparse por la actitud celosa mostrada por Canio (“Qual fiamma avea nel guardo”…¡¡qué fuego tenía en la mirada!!). Nedda está enamorada secretamente de otro… y ese amor que le hace cambiar su discurso para volverlo más alegre (“Oh! Che volo d’augelli, e quante strida!…” ¡El vuelo de los pájaros, qué bullicio!). Sin embargo, Tonio no había marchado y estaba observándola. Cuando ella lo descubre, la conversación es punzante por parte de Nedda, que tanto desprecia a él como a sus ridículos intentos de acercarsele (“So ben che difforme conforto son io”… Sé bien que soy deforme). El constante desprecio y la mofa llevan a Tonio a amenazarla de “que lo pagará” mientras que sale de escena.

La llegada de Silvio alegra a Nedda, primero inquieta por la imprudencia, pero el amor vuelve a salir en este dúo… con un espectador terrible, ya que Tonio ha observado que Silvio trata de convencer a Nedda para huir (“E allor perché, di’, tu m’hai stregato”…). El dúo es sentido, emocionado, un Silvio implorante, una Nedda deseosa de ser libre que acaba convencida, citándose para medianoche. Esta parte de la conversación ha sido escuchada por Canio, acompañado por Tonio -cual Yago- y que salta ante la exclamación de ella a Silvio ( “…e per sempre tua sarò”), lo que hace que el amante de Nedda huya. Canio se muestra colérico y trata de averiguar el nombre de esa persona que estaba junto a ella pero Nedda calla. La escena es atroz y los compañeros tratan de apaciguarlo ya que la gente está a punto de salir de la iglesia y no debe de ver tal “espectáculo”; Tonio trata de tranquilizarlo asegurándole que el amante estará esa noche viendo el espectáculo y le pide que finja. En este momento se canta el aria “Recitar!….Vesti la giubba”, que refleja ese dicho “la gente paga y quiere reír” y el célebre “ridi, Pagliaccio”, que ha popularizado esta ópera en el mundo gracias a tenores que no han dudado en representar este papel y lograr una interpretación histórica del personaje. Canio se muestra hundido pero “el espectáculo ha de seguir” y ha de actuar para el público.

El intermedio sirve para prepararnos para la obra que la compañía de payasos va llevar adelante. En esta “Commedia dell’Arte” Canio es Pagliaccio, Nedda es Colombina, Tonio es Tadeo y, por último, Beppe es Arlecchino.

Acto II:

El acto comienza con el coro de aldeanos que se van aposentando en sus asientos para ver la obra. Entre ellos está Silvio, que le recuerda que la esperará al final de la obra.

El desarrollo es el siguiente:

Colombina está en una salita paseando mientras la voz de arlequín implora por su amor (“Oh! Colombina, il tenero fido Arlecchin…” Oh,Colombina,el fiel y tierno Arlequín). La llegada de Tadeo, bufón enamorado de Colombina, nos devuelve, aunque sea de forma jocosa, al primer acto respecto al encuentro de Tonio y Nedda (“Sei tu bestia?”). Arlequín sube y alcanza la ventana de la habitación donde está Colombina y Tadeo y echa al bufón ante las risas del público. El pequeño dúo amoroso-jocoso culmina con las mismas palabras que Nedda dijo a Silvio, lo que acelera la furia en Canio. La entrada en escena como Pagliaccio es el fin de la ópera. La realidad empieza a sobrepasar a la ficción. Ante el público atónito, Pagliaccio desaparece para que Canio se muestre como tal (“Pagliaccio non son…”) con una actitud tan despiadada ante Nedda (“Sperai, tanto il delirio”) que le exige que revele el nombre de su amante. Nedda trata de seguir con su papel de Colombina y seguir con la comedia pero el intento es infructuoso ya que Canio ya está lleno de ira. Silvio, ha sido el único en el público que pensaba que la escena no era de ficción y empieza a preocuparse por Nedda quien a pesar de confesar su romance, se niega a revelar el nombre de su amante y trata de huir al ser amenazada por Canio, pero éste logra alcanzarla y matarla. Silvio intenta salvarla pero sólo logra ponerse a tiro de Canio que también lo mata. Con un terrible e irónico “La commedia è finita” (La comedia ha terminado), concluye la ópera mientras el telón baja ocultando los cuerpos inertes de los dos amantes.

Suele ser habitual que, por su poca duración, las casas discográficas pongan en una mismo pack a I Pagliacci de Leoncavallo junto a Cavalleria Rusticana. Ambas óperas tienen una gran importancia en lo que fue la última corriente del siglo XIX, la “escuela verista”. Tanto la ópera de Leoncavallo como la de Mascagni, son obras que han alcanzado gran fama, si bien las óperas de Puccini les impidieron mayor relumbrón. Con todo, algunos momentos como el “Vesti la giubba” (I Pagliacci) han podido entrar en el repertorio de fragmentos favoritos de los aficionados a la ópera. Ambas obras marcaron a sus compositores hasta el punto de no volver a repetir otro logro importante.

ENTRADA AL LIBRETO DE LA ÓPERA: